本周最佳 46

上海疯狂的艺术季还在继续， Arthub 很高兴为大家介绍即将在艺术门上海开幕的群展《迷阵》，此次展览意图赋予观者以诠释和感知的⾃由，在作品、空间、观者之间搭建起不同寻常且极具活⼒的关系，并暗含⼀种积极的错置与改变。展览的作品跨越不同媒介，透过作品丰富的内涵及表现⽅式来⿎励观者参与作品的构建。

展期：2016年11⽉12⽇-2017年1⽉7⽇
地点：艺术门画廊，中国上海江⻄中路181号1楼

艺术家：⾼伟刚、萨卡琳·克鲁昂（Sakarin Krue-On)、李竞雄、MAP Office、娜布其、 孙原 & 彭禹、王福瑞、谢南星、周洋明

此次展览意图在智性与视觉的迷阵中描绘当今艺术的叙事⻛格，并分析艺术所回应的问题和关涉的主旨。观者⾸先将视线投向作品内外的结构与空间，继⽽打开与作品的相遇，如此这般的线索贯穿于“迷阵”中的作品，因此也可以说，这次展览同样强调展示⽅式的关键角⾊，观者在其中不是被动地观看，⽽是投入⾝与⼼的体验。

展览中的艺术家以其不同凡响的才思让思想得以在作品中相互串联、启发和呼应，在对待艺术和⽣活，在处理其所 关切的主题上，他们的思考各⾃独具⼀格，并邀请观者共同跳脱固定的框架。展览的重点也在于，这些艺术家以观念和形式的不同层⾯来切⼊作品的意义：从⼯作空间展演到⾃我⾓⾊的刻画，从情境的安 排到⽇常的抽象呈现。因此，此次展览探讨了既是公共的⼜私⼈化的作品关系，纳⼊观者于其中——不论是扮演积 极的参与者或是不经意的表演者。

对⾃然与事物进⾏再现与模仿，以期获得关于世界更深刻的认识，这是艺术经久不断的线索之⼀。⾼伟刚（⽣于 1976年）的作品探讨“拟态”（mimesis）的概念，即对现实的逼真模仿，以及它在当代艺术实践中的⾓⾊。他将作品的源头从其⾃然环境中转移到画廊的物理空间，唤起观者的质询、追问和思考——社会化的空间何以存在于建筑与⾃然的边界，以及作品⼜如何被体验为探索的场域。在连接可⻅之物与不可⻅世界的同时，⾼伟刚的其他作品 则暗⽰了以隐藏作为反思⽅式的⾔外之意。

萨卡琳·克鲁昂（Sakarin Krue-On，⽣于1965年）作品的⽇臻成熟部分地源⾃于他对现代社会中焦虑的持续探究。 艺术家沉浸于充满传统图像与民间故事的⻛景，乐于将其解构并⽣成超越原本含义的新语境。他的作品中汇集了寓⾔故事，将具有⽂化特质的主题以美学⽅式的连接起来，其中经常可⻅来⾃克鲁昂从家乡泰国召唤⽽来的象征奇象。此次展览中，艺术家将依画廊空间量⾝定做⼀⾯壁画装置，让观者在稍纵即逝的⽚刻中⾯对作品意涵的丰厚。 这个墙上国度犹如神秘的领域，采⽤了壁画初始蓝图所⽤的模版绘法制成，这也显⽰出艺术家在认识论上对于真相 与幻觉的不同观点。

把画廊摇⾝⼀变成为李竞雄⾃⼰的⼯作室，观众得以追溯和体验艺术家创作的过程和动作。李竞雄（⽣于1987年） 以多维的⽅式来设定作品叙事，观者以多重⾓度观看并介⼊画廊内的建筑空间。这个灵活的空间给予了创造更多共 同经历的可能性。在此空间指的既是⾝边存在的空间，艺术家创作和实验的空间，⼜或是透过艺术品⼀点⼀滴表露 的空间，从亲密的（⾝体）到⼈际的（社会），再到物质和机构的（经济、⽂化），不同层次的空间关系相互独⽴⽽变化不⼀。

MAP Office 的作品侧重于观察与再现的技巧及其对地缘政治的影响，并以此为出发点来深⼊调查⼈类对于世界的认知。对艺术家⽽⾔，制作地图的过程和观念为其精华，与其说地图精准描绘了地域概念，不如说地图呈现了特定时空中的可能性和偏⻅。在整个展览期间，MAP Office（Laurent Gutierrez，⽣于1966和 Valérie Portefaix，⽣于1969）将利⽤绘画工具來绘制⼀幅完整的地图。这个装置强调过程的互动性，机械⼿臂如⽇常仪式般绘出的图画最终构成⼀幅由242张A4纸组成的地图。同时，此装置也将制作地图的办公室刻画为充满隐匿路线的流动⻛景，并体现出完美地图⽆法存在的可能性。

娜布其（⽣于1984年）的作品藉由堆叠、包裹和排列的⽅式来塑造和传达⽇常⽣活与周遭环境中的趣味，其中《睫⽑》系列的抽象形式与其镜⾯基座交相呼应。尽管她的作品在内容和空间上⾃成⼀体，作品之间的微妙关联仍然暗⽰着不同价值之间（物质与⾮物质、珍贵与可有可⽆）的相互博弈。

孙原与彭禹（分别⽣于1972年和1974年）的作品以不同的道德态度对待再现（representation），并且倾向于反对艺术⾃主性和物质性的主流观点。他们的作品提供了体验某个事件和⾏动的情境，这些情境直指作品的核⼼。⼤多时候，他们甚⾄会构思和设计观者的观看⽅式，以便目睹已经发⽣或正在发⽣的情境。因此，艺术家提供的⽅法具有批判潜能，其关键在于挑战对社会和沟通的看法，⽽观众在此体验、反思关于展览的另类价值和惯例。展览的作品指向战术⾏为中组装和拆解的循环过程，其中蕴含多⽅⾯的知识⽣产和调解，包含他们的⼯作空间、表演者、指⽰物，以及暗⽰其创作环境的道具。在艺术家设定的可能性范围内，观者们获得了⾃由想像和撷取信息的路径。

在⾯对绘画时，感官和理智、记忆和历史、意识和科技等不同因素会促使我们重建对画⾯的感知，这是⼀个持续的过程，同时也捕捉了那些⽆法记录的短暂瞬间，⽽这些瞬间既是当下的也是预设的，是被强化的也是意味深⻓的。

⾝为台湾声⾳艺术领域的先驱，王福瑞（⽣于1969年）创作的声⾳画布朴实⽽简单。《声画－⽔琴⾳》⿎励视觉焦 点和听觉之间的互相联系，从⽽引导观者深⼊艺术家的创作。观者们站在空⽩画布前，沉浸于⼤⾃然的⾳律中并进⼊极度专注的状态，也不禁慢下脚步来聆听。仿佛等候着人们的来临，画作中的声⾳随着观者们的动作和远近⽽响起。观众们从他作品得到的感知主要源⾃于⾃⼰的想像，正因如此，他的作品引发了更⼲泛的对话来讨论声⾳艺术 的本质和其之可能性。

在谢南星（⽣于1970年）的绘画中，精确与模糊并⾏不悖，他的作品并⾮以图像的再现去触及真相，⽽是以此来追 问观者与绘画主题之间的关系，并寻找这种关系的不同可能性。⼀般⽽⾔，如果是挂在墙上的图像是⼀幅肖像画， 观者通常都能够快速辨别对象，对画⾯的感知也更为明确；⽽在此展览中，谢南星的绘画并没有指点任何感知⽅向， 因⽽观者可以从任何角度来解读，在作品与作品之间穿针引线，在不确定的肖像与真实的故事之间带出新的脉络。

艺术在⾃⾝中⽣成时间的维度，这既包括创作的时间，也包括作品显现于观者所需的时间。周洋明（⽣于1971年）⼒图创造⼀种不能以匆促动作与⾏为来完成的绘画，其中观者不是被画框所局限，⽽是同时感受到画⾯的错觉与阴影， 以及⽆限延伸到画外的空间形式。细致的画⾯则来⾃于笔触之间的虚实相⽣，幻觉总是出现在恰当的时间和机缘。

每位艺术家各⾃将创作语境、展⽰⽅式，以及时间、空间和对话融入作品中，继⽽与其他作品共同构成此次展览。 展览的国度在画廊的入⼝处、在观者踏⼊画廊之前便已经开始。这个展览在形态上具有⾃我构建的特征，作品被重新置放，观者在时空的关联中阅读作品，思索其他可能的途径。

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